I principali principi di design per costruire il tuo marchio nel 2022
Pubblicato: 2022-01-20È facile da progettare, ma quando una penna viene premuta contro la carta, potrebbe essere difficile esprimere visivamente il messaggio che stai cercando di trasmettere.
Sebbene i componenti dell'opera d'arte siano considerati gli elementi fondamentali di un design, i fondamenti del design sono considerati le norme. Se sei un imprenditore o un designer desideroso, conoscere i principi di base del design può aumentare l'efficacia del tuo prodotto attuale.
Quando hai afferrato tutti gli elementi di design, non è difficile diventare avventurosi e provare a includere varie forme, sfumature o anche diversi tipi di caratteri e linee. Tuttavia, se non capisci i fondamenti del design, è possibile creare una composizione sconnessa, complicata, confusa e difficile da capire.
Sommario
- 1 10 Principi di design per far crescere il tuo business
- 1.1 Equilibrio
- 1.2 Allineamento
- 1.3 Vicinanza
- 1.4 Ripetizione
- 1.5 Contrasto
- 1.6 Principi del ritmo progettuale
- 1.7 Principi del movimento del design
- 1.8 Principi di proporzione progettuale
- 1.9 Principi di Design Harmony
- 1.10 Principi di varietà progettuale
- 2 Conclusione
- 2.1 Correlati
10 principi di design per far crescere il tuo business
Ogni design è progettato per comunicare un messaggio a un pubblico di destinazione in mente. Quando applichi questi cinque principi, sarai sulla buona strada per creare un design di successo e comprensibile.
Equilibrio
Immagina di guidare un'altalena troppo pesantemente su un lato per far volare l'altro in aria. Anche gli elementi artistici hanno un peso. Anche se è visivo ma non pesante in termini reali, c'è un effetto simile a un'altalena quando un design non è adeguatamente bilanciato. L'attrazione di un pezzo si basa su come verrà distribuito il tuo peso visivo. Come una sega priva di equilibrio, è probabile che l'occhio dello spettatore si muova verso un aspetto del pezzo, lasciando inosservato il resto dell'opera.
L'equilibrio può essere classificato in tre modi: il simmetrico, l'asimmetrico e il radicale. Se i componenti di un pezzo sono bilanciati, il design è classificato come simmetrico. Questo tipo di equilibrio fornisce un ordine e una formalità in un'opera d'arte, motivo per cui è comunemente usato nell'arte dell'architettura istituzionale e nell'arte religiosa. La simmetria radiale, una variante di simmetrica, si riferisce al modo in cui le parti dei disegni sono disposte uniformemente attorno a un punto particolare.
L'equilibrio asimmetrico, al contrario, incorpora due pesi che rendono una composizione non sempre visivamente uguale; tuttavia, ha l'esatta simmetria. I design asimmetrici tendono ad essere visivamente più attraenti rispetto a quelli simmetrici. Creano movimento in un'opera d'arte attirando gli occhi degli spettatori sull'intera composizione.
Allineamento
Sebbene l'allineamento sia spesso ignorato nella maggior parte dei casi, senza questo strumento un'immagine non comprenderebbe l'unità, la direzione o persino l'organizzazione. L'allineamento è semplicemente il modo in cui gli elementi sono disposti sulla pagina. Il suo obiettivo non è solo l'organizzazione ed è fondamentale per migliorare l'appeal visivo complessivo del layout e del layout di una pagina.
I designer sono consapevoli del fatto che gli esseri umani scansionano naturalmente le pagine durante la progettazione di un prodotto. I diversi tipi di allineamento – sinistro e destro, centrato e giustificato – differiscono nel modo in cui utilizzi questi tipi di allineamento. Nel mondo di lingua inglese, i testi vengono generalmente letti da sinistra a destra, motivo per cui l'allineamento a sinistra è il più comunemente usato. Tuttavia, altri formati vengono utilizzati strategicamente per scopi specifici come porzioni di testo promozionali, ornamentali o più piccole.
In generale, l'allineamento si riferisce a due componenti particolari del design: tipografia e immagini. I grafici si sforzano di trovare un equilibrio tra questi due per garantire che sia il testo che le immagini appaiano visivamente accattivanti e condividano una connessione senza sforzo. Con un corretto allineamento, un pezzo sembra pulito, ordinato e chiaro agli spettatori.
Prossimità
Se i designer spostano gli elementi più vicini o più lontani, utilizzano il concetto di prossimità. Ci sono due ragioni principali per cui i progettisti usano la prossimità per creare connessioni o stabilire connessioni.
Se vediamo elementi di design uno accanto all'altro in una composizione, vediamo gli elementi come correlati. Quando si separano gli aspetti l'uno dall'altro, il progettista può comunicare che non c'è alcuna connessione tra di loro. La relazione tra gli elementi crea un'atmosfera di organizzazione, pertinenza e gerarchia.
L'importanza della vicinanza è quando un designer sta cercando di trasmettere un messaggio o raggiungere un risultato, in particolare nella pubblicità e nel marketing. I grafici che utilizzano la prossimità sono considerati una tecnica di branding efficace. Puoi vederlo nel logo Unilever e le minuscole forme sono disposte abbastanza vicine l'una all'altra. Questo fa pensare al nostro cervello di essere l'immagine di una "U".
Ripetizione
La ripetizione può essere ottenuta ripetendo ripetutamente lo stesso elemento in un progetto. Sebbene possa sembrare facile, tuttavia, i designer si affidano all'idea della ripetizione per creare l'impressione di un flusso organizzato e di coerenza all'interno di una composizione complessiva. In ogni design, dovrai ripetere gli elementi, e così facendo aumenterai e rafforzerai l'impatto estetico del design.
Il concetto di ripetizione potrebbe anche essere una potente strategia da utilizzare negli affari. Gli elementi visivi nell'identità del marchio di un'azienda fungono da immagine di come l'azienda viene percepita. La ripetizione di un logo non è solo vantaggiosa in una singola stampa, ma può avere successo se utilizzata in tutto il portafoglio di design di un'azienda. Un logo distintivo viene ripetuto sui social media, come biglietti da visita, brochure e web design. Può migliorare l'esperienza di un utente e aiutare a stabilire il riconoscimento di un marchio.
A parte la tecnica di base che utilizza la ripetizione, gli artisti spesso impiegano la ripetizione usando schemi, appassimento e ritmo. I modelli, che si ripetono di più elementi di design che funzionano di concerto tra loro, sono tipicamente osservati nella progettazione fisica come la progettazione architettonica o l'interior design; tuttavia, vengono utilizzati anche come sfondi per pagine Web e app. Il termine “ritmo” si riferisce allo spazio tra gli elementi che si ripetono. I designer utilizzano gli intervalli tra gli elementi per creare un senso di movimento per gli spettatori.
Contrasto
Si dice che gli opposti si attraggono, il che potrebbe essere il caso di altri elementi di design. Immagina un design senza contrasto; ogni colore, carattere, forma, ecc., sarebbe di dimensioni identiche e il design sembrerebbe opaco. Il contrasto è l'elemento che aiuta un'immagine a "pop", rendendola memorabile per gli spettatori.
Il contrasto è anche un fattore nell'efficienza di un design. La struttura del design si basa su come viene utilizzato il contrasto per dirigere l'attenzione dello spettatore su ciò che è più importante. Ad esempio, se l'intero contenuto del design fosse simile per dimensioni e dimensioni, in che modo lo spettatore sarebbe in grado di discernere quali elementi sono più importanti? Al contrario, i designer sono in grado di attirare l'attenzione su caratteristiche specifiche che vorrebbero evidenziare creando il punto focale per il pubblico e un ordine visivo.
Principi del ritmo progettuale
Il concetto di ritmo è più complesso dei concetti iniziali di schema e ripetizione. Il motivo e la ripetizione sono entrambi applicati allo stesso elemento nel disegno. È il ritmo visivo di una serie di caratteristiche che si ripetono e, in modi diversi, crea l'impressione di un movimento ben organizzato.
Il ritmo è spesso nascosto nelle opere d'arte e non è sempre così evidente come i principi di progettazione della ripetizione e dei modelli. Ad esempio, le linee diagonali non vengono visualizzate in un determinato modello nell'illustrazione seguente. Invece, c'è uno schema ripetuto degli elementi, con variazioni.
Principi del movimento del design
Il termine “movimento” si riferisce al percorso che gli occhi dello spettatore seguono attraverso un'immagine. Quando si compone un'immagine, ogni elemento ha la capacità di influenzare il modo in cui si muovono gli occhi. Gli elementi più importanti possono essere in grado di influenzare gli elementi secondari, e poi via. Il movimento di una composizione aggiunge eccitazione e mantiene gli spettatori interessati.
Il movimento può essere prodotto utilizzando più e più volte variazioni di un elemento. L'uso di linee curve o diagonali può creare più movimento rispetto alle linee rette. Utilizzare le linee per contrassegnare il percorso fino al punto centrale. I colori possono aiutare a migliorare la sensazione di movimento mescolando colori importanti bassi e alti per generare eccitazione. Un modo per mostrare il movimento è usare immagini che mostrano il movimento, come i capelli che si muovono nella brezza. Alcuni artisti utilizzano illusioni, come l'arte ottica, in cui le immagini ripetute e il contrasto fanno sì che il nostro cervello desideri ardentemente organizzare i dati.
Nell'immagine sottostante, il movimento è dovuto alle linee arricciate e ai colori che si sovrappongono. Questi effetti aumentano il movimento poiché sono instabili e quel gradiente sfoca le linee invece di renderle statiche.
Principi di proporzione progettuale
La proporzione è la percezione dell'armonia che si verifica quando tutti gli elementi di un arrangiamento sono ben collegati tra loro. L'obiettivo principale della proporzione sono le dimensioni e le dimensioni nel caso in cui due componenti siano in competizione. Ad esempio, nel campo dell'arte e dei disegni, le proporzioni sono fondamentali affinché il disegno appaia reale. La proporzione non sempre si riferisce alla dimensione di un elemento ma piuttosto alla relazione tra i due elementi o anche di più.
Nella gerarchia dei layout nella gerarchia del layout, il rapporto tra il titolo e la didascalia della foto deve essere maggiore poiché è considerato l'elemento principale. Gli elementi meno importanti sono meno significativi. Se riesci a raggiungere un grande senso delle proporzioni in un pezzo, creerà un elemento di armonia ed equilibrio.
Principi di armonia progettuale
L'armonia è la percezione della coesione tra gli elementi di un arrangiamento. Le caratteristiche non dovrebbero essere le stesse o addirittura completamente distinte, ma dovrebbero essere collegate in qualche modo. L'uso di colori o trame simili creerà una sensazione di unificazione tra i vari elementi. La combinazione di oggetti con forme simili può creare armonia poiché sembrano simili.
Troppa o non abbastanza armonia può far diventare noioso un progetto; ci deve essere qualche variazione per renderlo visivamente accattivante.
Principi di varietà progettuale
L'interesse visivo stimolante manterrà l'attenzione dei tuoi spettatori. Coinvolgerli e guidarli attraverso il design può creare un'esperienza utente coinvolgente. La varietà apporta qualcosa di nuovo alla composizione, creando tensione e contrasto. Ad esempio, la combinazione di forme organiche e forme geometriche crea varietà. Questo dovrebbe essere un modo per rafforzare il messaggio che stai cercando di trasmettere nel tuo progetto. In caso contrario, potrebbe sembrare irrilevante.
Conclusione
Sebbene queste regole siano considerate come le "regole" del design, non ci sono linee guida specifiche su come implementare questi principi. Questa potrebbe essere una sfida per un principiante; tuttavia, come con la maggior parte dei professionisti, alla fine ti abituerai al tuo intuito e seguirai ciò che è richiesto dalla tua azienda. A volte è utile rompere con i principi di base del design purché le informazioni essenziali siano comunicate in modo chiaro.
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