Quelles sont les différences entre faire de la musique synchronisée et de la musique d'artiste ?

Ce billet d'invité d'Aaron Trumm est apparu à l'origine sur le Soundfly Blog Flypaper.

L'un des meilleurs moyens de gagner de l'argent en tant que musicien est la synchronisation (c'est-à-dire l'octroi de licences). Plongez dans ce monde, cependant, et vous découvrirez rapidement qu'il y a une grande différence entre cette entreprise et le modèle « d'artiste » traditionnel.

Le modèle d'artiste est celui auquel votre grand-mère pense quand vous dites que vous êtes musicien. Vous jouez des concerts, vous faites un disque, vous devenez célèbre, vous gagnez de l'argent de manière mystérieuse, et lorsqu'on vous demande ce que vous faites, vous dites : "Je suis une rock star".

Des artistes célèbres obtiennent des licences de chansons tout le temps - pour les films, les émissions de télévision, les publicités, les jeux vidéo, etc. Les artistes moins connus obtiennent également des licences. Mais pour les véritables licences G, la licence n'est pas un événement ponctuel où une chanson populaire est utilisée pour sa nouveauté. Dans ce monde, l'objectif numéro un est de décrocher des placements, et ce jeu est très différent du jeu rock star.

Ici, nous allons parler des différences, des croisements et de ce dont vous devez être conscient si vous essayez de faire les deux.

Objectif différent = Son différent

Dans tout art, l'utilisation finale détermine beaucoup la façon dont vous créez. Si vous créez une image destinée à être accrochée à un grand mur, vous pouvez utiliser une grande toile, de gros coups de pinceau, etc. Une image destinée à la couverture d'un album nécessite une stratégie différente. Il doit tenir dans un espace de 5 "x 5", inclure des informations pertinentes, etc.

De même, la musique synchronisée a un objectif différent et est écoutée dans un contexte différent de celui de votre hit radio moyen. Certaines des grandes considérations :

• La musique synchronisée est soit placée sous dialogue, soit supporte un montage . S'il s'agit d'un dialogue, les paroles devront peut-être être plus clairsemées ou inexistantes. Dans les deux cas, les paroles qui transmettent un sentiment général plutôt que de peindre des images spécifiques fonctionnent mieux. "Tout nouveau jour" ou "se sentir perdu" plutôt que "Je me suis réveillé, j'ai acheté une pizza dans un camion rouge et j'ai erré dans la 6ème rue jusqu'à ce que le soleil se lève". Ceci est généralement appelé "paroles universelles".

• La musique synchronisée a besoin de "points d'édition" faciles. Au lieu d'une transition fluide et indécoupable du couplet au refrain, par exemple, essayez une décomposition. Donnez aux éditeurs un endroit où ils peuvent couper facilement.

• Les sujets peuvent être différents dans la musique synchronisée, en particulier en ce qui concerne les publicités. Si vous jetez un coup d'œil au Billboard Top 40 n'importe quelle semaine de n'importe quelle année, vous aurez du mal à trouver des chansons qui ne sont pas des chansons d'amour romantiques. En synchronisation, cependant, les chansons d'amour romantiques sont rares. Surtout en ce qui concerne les publicités, une variété de sujets plus universels dominent - des trucs comme "ce bon sentiment" ou "je le fais à ma façon". À la télévision et au cinéma, l'amour romantique peut survenir, mais comme mentionné ci-dessus, les sujets sont plus vagues, ils conviendront donc à plus de situations.

• L'émulation de plus grands artistes peut vous permettre de vous synchroniser beaucoup. C'est le glas d'un artiste « original ». De nombreux mémoires mentionnent une chanson en particulier. "Quelque chose de similaire à…" signifie en fait "exactement comme, sans réellement plagier". Si vous êtes doué pour l'émulation, vous avez une longueur d'avance sur la synchronisation. Écrire pour un travail d'artiste demande plus d'originalité, même quand on essaie de s'inscrire dans un genre.

• Le travail de synchronisation nécessite généralement plus de portée que l'écriture d'un seul acte. Les écrivains et producteurs axés sur la synchronisation sont appelés à créer des ambiances; suspense, action, sexy, réflexion, célébration, mélancolie, etc. Ou on peut leur demander de créer des genres spécifiques - jazz, rock ou hip-hop. Parfois, c'est plus une question de fonction - des indices dramatiques ou de la musique de bande-annonce, par exemple. La musique d'un artiste a besoin de suffisamment de variété pour rester intéressante, rester dans la voie de base est préférable pour un acte donné.

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Les mettre ensemble

Pour les artistes dont le rêve est de vendre des stades, mais qui ont besoin de gagner de l'argent en attendant, la licence est une proposition intéressante. De même, pour les artistes axés sur la synchronisation, publier de la musique sur des services de streaming et créer un « acte » est un moyen intelligent de maximiser les revenus et les opportunités.

Mais les gens sont souvent confus quant à la façon de procéder. Passons en revue deux domaines à considérer ici : les affaires et l'art.

Nous aborderons d'abord l'art.

Le côté artistique de la combinaison de la synchronisation et du travail d'artiste

Comme nous l'avons dit, la façon dont vous faites de la musique peut être très différente si la synchronisation est votre objectif par rapport aux succès radio ou en streaming et à d'autres objectifs axés sur l'artiste. Donc, si vous voulez faire les deux, vous avez une grande décision à prendre : est-ce que je fais deux types de musique distincts, ou est-ce que j'essaie de faire de la musique qui fonctionnera dans les deux domaines ?

Ce dernier peut être délicat, et cela dépend beaucoup de votre genre. Si vous êtes un groupe de death metal avant-gardiste connu pour ses images spécifiques et ses nombreuses jurons, ces chansons n'obtiendront peut-être pas beaucoup de licences. D'un autre côté, si vous avez créé des tonnes de musique axée sur la synchronisation dans une centaine de genres différents, créer un acte autour de tout ce matériel disparate pourrait être difficile.

Mais, si vous êtes un artiste déjà porté vers des paroles optimistes et universelles et que votre son correspond à ce qui est populaire dans les licences en ce moment, peut-être que tout ce que vous avez à faire est de changer un peu vos arrangements et d'écrire des chansons synchronisées dans votre style.

Donc, vous aurez besoin d'évaluer vos trucs. Votre loi s'oriente-t-elle naturellement vers ce qui fonctionne pour l'octroi de licences, ou cela fonctionnerait-il pour le changer un peu ? Pour les artistes synchronisés, votre catalogue contient-il suffisamment d'un genre pour que vous puissiez créer un personnage autour de cela ?

Ensuite (et c'est énorme), évaluez le temps dont vous disposez. C'est bien beau d'être inspiré pour faire 20 bandes-annonces et de les magasiner tout en faisant une tournée et en faisant votre troisième disque de groupe de bruit électronique. Mais avez-vous vraiment le temps pour tout cela ?

Le côté commercial de la combinaison de la synchronisation et du travail d'artiste

Cela semble déroutant pour beaucoup de gens, alors clarifions une chose. Une question qui se pose tout le temps est :

« Si je signe ma chanson dans une bibliothèque de licences, cela signifie-t-il que je ne peux pas la mettre sur Spotify ? »

NON. Signer avec une bibliothèque de licences ne leur donne que le droit d'acheter et de licencier votre matériel, en prenant probablement une commission. Il s'agit d'un ensemble de droits distinct des droits de distribution. Vous êtes toujours propriétaire de votre matériel, donc même si vous avez signé avec une société de licence exclusive, vous conservez toujours le droit de diffuser de la musique au public.

• Voici l'exception : si votre société de licence est également un label et que votre accord inclut la cession du droit de sortie, vous empêchant de vous sortir vous-même, alors vous ne pouvez pas (évidemment).
• Voici comment vous le savez : Lisez le contrat. Fastidieux, oui, mais nécessaire. Vous pouvez également demander à l'entreprise ce que vous pouvez et ne pouvez pas faire selon les termes du contrat.

Cela signifie que le côté commercial du travail d'artiste et du travail de synchronisation n'est pas si compliqué. Vous êtes propriétaire de vos chansons et de vos enregistrements, à moins que vous n'ayez cédé ces droits. Pour réitérer, permettre à toute entreprise d'acheter et de concéder des licences de chansons en votre nom ne renonce pas à vos droits. Il les autorise uniquement à prendre des mesures pour sécuriser les placements de licence en votre nom.

Il y a beaucoup de choses dans ce genre de choses, donc si vous êtes nouveau, commencez par mon article plus complet sur les chansons, les enregistrements et les affaires, "What the Hell Are Master Rights?" Et pour bien comprendre les tenants et les aboutissants du commerce des licences, asseyez-vous avec un livre comme The New and Complete Business of Licensing: The Essential Guide to Monetizing Intellectual Property.

Mais pour savoir une fois pour toutes comment fonctionnent tous les types de redevances de streaming et de vente – et comment collecter l'argent que vous méritez – consultez certainement le cours gratuit de Soundfly enseigné par Ari Herstand, Comment obtenir toutes les redevances dont vous ne saviez jamais qu'elles existaient.

Quoi qu'il en soit, mettez-vous au travail

L'octroi de licences pour la musique est un excellent moyen de gagner sa vie dans la musique, et cela ne nécessite pas de renommée ni de chance particulière. Mais être un artiste, devant et sur scène, faire son propre truc est aussi très convaincant.

Alors quoi que vous fassiez, arrêtez de lire à ce sujet maintenant et mettez-vous au travail en écrivant !

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Aaron J. Trumm est producteur, écrivain, chanteur (ok rappeur) et entraîneur personnel (oui, vous avez bien lu). Il est toujours à la recherche de la prochaine chose géniale à dire et adore parler aux gens, alors n'hésitez pas à le contacter sur les réseaux sociaux !