従来のアニメーションのプロセスを学ぶ

アニメ映画を初めて見たときのことを覚えていますか? ライオン・キング、アナと雪の女王、トイ・ストーリーのいずれであっても、劇場での時間は魔法のように感じました。 登場人物が画面上で生き生きとした瞬間は、あまりにもうれしくて真実ではありませんでした。 しかし、あなたが知らないかもしれないことは、それらの映画が作成するのに何年もの努力と献身を要したということです. 今日は、従来のアニメーションのプロセスとその仕組みを見ていきます。

従来のアニメーションとは

従来のアニメーションは、アーティストがフレームごとに動きを描く芸術的な媒体です。 基本的に同じ絵を何度も描きます。 ただし、これらの各フレームは、わずかなバリエーションで描かれています。 そのため、これらすべての画像を次々と見ると、動いているような錯覚が生じます。

ノートの隅にアニメーションを作成しようとしたことがありますか? 子供の頃、私たちは各ページに小さな漫画を描いて、同じキャラクターをさまざまな位置に表示することがよくありました. 最後に、そのノートの隅を持って、すばやくめくって、キャラクターが動き回るのを観察しました。 これを経験したことがあれば、従来のアニメーションを経験したことになります。

この芸術形式は、セルアニメーションとも呼ばれます。 「Cel」はセルロイドという言葉の略です。 描画目的で使用される透明なシート。 従来のアニメーターは通常、お気に入りの鉛筆と一緒にセルロイドを使用します。

各図面はプラスチックセルに送られます。 その時点で、彼らは絵の具でいっぱいになり、一人ずつ写真を撮りました。 これにより、ペイントされた背景の上に描かれた完全なアニメーションが作成されます。

では、従来のアニメーションで構成された短い広告を作成しているとしましょう。 あなたのコマーシャルは短いかもしれませんが、そのコマーシャルの背後にあるプロセスは、見た目以上のものです.

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ステップ 1: 絵コンテ

どのアニメーターに聞いても、これはすべてのプロジェクトの最初のステップだと言うでしょう。 絵コンテは、テレビや映画の制作の筋書きを表す一連の絵です。 いくつかのセリフやアクション ベースのコマンドが含まれている場合がありますが、ストーリーボードは主に描画で構成されています。 絵コンテは好きなだけ長くても短くてもかまいませんが、その目的は主要なプロット ポイントと動きを強調することです。

場合によっては、これがスクリプトを兼ねることもあります。 多くのアニメーション作品は、絵コンテに基づいて台詞を作成します。 他のプロダクションでは、実際のスクリプトを使用したほうがよい場合があります。 いずれにせよ、アニメーターはプロセスを開始するためにストーリーボードが必要になります。

ステップ 2: 録音

アニメーションを開始する前に、準備サウンドトラックを録音する必要があります。 つまり、コマーシャル用のアニメーターを雇っている場合は、音楽や効果音を作成する人も雇う必要があります。 キャラクターに話す役割がある場合は、声優を雇う必要があります。

このプロセスで最初に作成されるのは、スクラッチ トラックです。 これには効果音と声優のみが含まれます。 最終的に、完全なサウンドトラックには、サウンド、音楽、会話のすべての要素が含まれます。

アニメーションの前に完全なサウンドトラックを作成する必要があります。 これにより、アニメーションを声優や効果音と簡単に同期させることができます。

ステップ 3: アニマティックを作成する

アニメーション コミュニティに参加している場合は、「アニマティクス」と呼ばれるものについて聞いたり見たりしたことがあるでしょう。 しかし、それらは正確には何ですか？

アニマティックは、イメージ/スケッチ シーケンスで構成されるストーリー リールです。 これは、最終的なアニメーションの洗練されていないバージョンを示すために作成されています。 ラフ案として考えてください。 通常、アーティストは複数のアニマティクスを作成し、選択できるようにします。

ステップ 4: 設計プロセス

アニマティックが選択されたら、他のアセット (絵コンテ、サウンドなど) と共にデザイナーに送信する必要があります。 これらのデザイナーは、各キャラクターが各角度からどのように見えるかを示すモデル シートを作成します。

モデル シートには、多くの場合、全身ショットだけでなく、表情やポーズも含まれます。 これは、関係するすべてのアニメーターが頭の中で同じ考えで作業しているためです. 結局のところ、各フレームが別の人によって描かれたように見えるアニメーションは望ましくありません (ただし、そうである可能性は十分にあります)。 そのため、設計プロセスは非常に重要です。

もちろん設定やセリフも忘れてはいけません。 バックグラウンド スタイリストが、設定の配色と全体的な構成を決定します。 一方、タイミング ディレクターは効果音と台詞を分析して、唇の動きを決定します。

ステップ 5: レイアウト

アニメーションでは、照明とカメラ アングルを考慮する必要があります。 色、音響効果、カメラ アングル、照明を備えた最終的なアニマティックを作成する必要があります。 もちろん、これは完全にアニメーション化されません。

ステップ 6: 最後に、アニメーション!

うわー！ 試行錯誤の末、やっと良いところにたどり着きました。 アニメーションプロセス。 ここにたどり着くまでには時間がかかるかもしれませんが、結果はそれだけの価値があります。 最終的なアニマティックを承認したら、このプロセスを開始できます。

前述のように、従来のアニメーションはフレームごとに動きを描くことによって実現されます。 このプロセス全体を通して、時刻同期が非常に重要になります。 アニメーターは、キャラクターのアクションがオーディオで起こっていることに一致することを望んでいます。 したがって、それは複数のテストと改訂を意味します。

アニメーションは、監督とプロデューサー (この場合はあなた) が結果に満足するまで、テストとレビューを繰り返します。

これらのことを忘れないでください

従来のアニメーションは長くて退屈なプロセスであり、それは否定できません。 しかし、アニメーターが作業をスピードアップするためにできることがいくつかあります。 たとえば、従来のアニメーションの多くはデジタルで行うことができます。 アニメーションの実際のプロセスに関しては、いくつかの近道があります。 たとえば、アニメーターはロトスコーピングを使用して実写フッテージをトレースできるため、すべてのフレームをゼロから描画する手間を省くことができます。 または、制限付きアニメーションやストップモーション アニメーションなど、従来のセル アニメーション技術を使用することもできます。 いずれにせよ、従来のアニメーションの伝統を少し緩和し、時間を大幅に短縮する方法はいくつかあります。