さまざまな種類のライブに備えるために私が尋ねる 5 つの質問

どのような楽器を演奏するにしても、どのようなスタイルで歌うにしても、場合によっては、別の種類のギグを演奏するよう求められることもあります。

たとえば、あなたがシンガーソングライターであれば、パンクロックバンドで演奏するよう頼まれるかもしれません。 あなたがジャズピアニストであれば、出張でいくつかのカントリーギグを演奏するよう頼まれるかもしれません。

もちろん、そのような申し出を断ることもできます。 しかし個人的には、これらは常にプレイヤーとしての自分の能力を伸ばす機会だと考えてきました。

ただし、このようなギグの準備をするときに、特に期限が迫っている場合には、ゼロから始めたり、車輪を再発明したりすることは望ましくありません。 そこで、準備に役立つ質問をいくつか紹介します。

このギグに役立つ可能性があることを覚えていることは何ですか?

ジャム演奏やパフォーマンスを始めてまだ数年しか経っていないとしても、準備を効率化できる可能性があなたの過去にある可能性は十分にあります。

最近、ディナータイムのバックグラウンド/ジャズ音楽を提供するガラで演奏したので、ここではそれを例として使用します。 私の場合、ジャズの歴史が少しあるので、活用できる経験がいくつかあると思っていました。

Google ですぐにわかったことの 1 つは、「簡単なギター ジャズ スタンダード」でした。 これは宝の山であることが判明しました。

でも、過去に手掛けた曲の中には苦労した記憶がある曲もありました。 ウェス・モンゴメリーの「Four on Six」など、そのうちのいくつかを掘り出してみました。 そして驚いたことに、比較的簡単にそれを手に入れることができることがわかりました。

また、何年も前に数人のギタリストとザ・ミーターズの「Cissy Strut」をジャムセッションしたことを思い出し、結局それを自分のセットに組み込むことになりました。

記憶をスキャンしてアイデアを探しましょう。 きっといくつか発見できるはずです。 ただ、プロセスを強制したり急いだりしないでください。 あなたの潜在意識に質問を提示し、答えを待ちます。

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すでに持っているもののうち、再利用または再利用できるものは何ですか?

私はずっとジャズのコードが大好きで、ずっとファンクミュージックのファンでもあったので、今演奏したようなギグに使えそうな自分の曲がいくつかあると思っていました。

12 小節のブルースの演奏方法 (すべてのミュージシャンが習得に努めるべきもの) を知っていれば、そのスキルをジャズ、さらにはカントリー、さらにはロックに応用できる可能性が高くなります。

「12 小節のブルース形式の曲」を Google で検索すると、さまざまなジャンルの膨大な曲のリストが表示されるはずです。

ただし、これらの可能性を探り始める前に、まず自分のオリジナル曲やカバーのリストを調べて、次のライブに使えそうな曲を探す必要があります。

多くの曲は、いくつかの小さな調整を加えることで、他のスタイルに適応できます。 たとえば、4 コードのポップ ロック ソングをレゲエ ソングに変えるには、リズムを変更するだけです。

意味のある方法でアイデアを組み合わせるにはどうすればよいでしょうか?

ジャズでは、ii – V – I のコード進行 (例: Dm7 – G7 – Cmaj7) が定番です。 もう 1 つだけジャズっぽいコード進行を学べば、A セクションが ii – V – I のシーケンスに続く、典型的な A – A – B – A スタイルのジャムを簡単に組み立てることができます。 素材が足りない場合は、セットの後半で同じジャムを別のキーで演奏することもできますが、ほとんどの人はおそらく気付かないでしょう。

取り組んでいるコード進行やリフがあるものの、次にどこに持って行けばよいかわからない場合は、アイデアのために取り組んでいる他の素材をサンプリングすることができます。 「盗む」と言っているわけではありませんが、プロですら自分の音楽の中で他人のアイデアからインスピレーションを得たり、それを「引用」したりすることが知られています。 ほとんどのライブでは立ち入り禁止のものはありません。

アイデアを組み合わせることで、汗をかかずにセットに組み込める新しい素材をたくさんセットアップできます。

どのような新しいスキルを学ぶことができますか?

別の種類のギグに向けて練習する際の私の唯一の目標は、準備を楽にすることだけではありません。 できれば、その過程で少なくとも 1 つの新しいスキルを習得したいと思っています。

前述のガラの準備で私が学んだことの 1 つは、セロニアス モンクのジャズ スタンダード「ブルー モンク」のメロディーです。 それは決して複雑ではありません。私なら何年も早く学べたはずです。

しかし、このメロディーを学ぶことで私のジャズの語彙が増えました。 きっとセットリストのバリエーションも増えたと思います。

準備する時間があまりなくても、学ぶことができる新しいスキルを 1 つ探すことで、今後の音楽に大きな力を加えることができます。 それはさらなる可能性への扉を開くでしょう。

準備時間は今後のプロジェクトにどのように反映されますか?

練習と準備の時間を最大限に活用するということは、完璧にするために一生懸命取り組んできたすべての素材を再利用して再利用する機会を探すことを意味します。

私の場合は、前に紹介したジャズのライブのために新しい曲と新しいジャムを思いつきました。 これらをセットリストに永続的に追加できるだけでなく、後でこの素材を録音してリリースすることも検討できます (曲がうまくいったと仮定して)。

アーティストとして、私たちはゼロからスタートし、車輪を再発明し、考え方や、新しいタイプのギグに関するパラダイムさえも変える必要があると考えることがよくあります。

しかし、これは不必要であり、可能な限りいつでもどこでも、1 つのライブから学んだことをどのようにして将来のプロジェクトに組み込むことができるかを検討する必要があります。 これにより、「新しい」ことに執着する世界で、私たちはより多作になることができます。

また、すべてが自動操縦で次の機会につながるという概念を解体することをお勧めします。 プロセスを戦略的かつ意図的に行うことで、あらゆる練習セッション、ジャム、ギグ、レコーディング セッションなどからより多くの成果を得ることができます。

最終的な考え

あなたが成長志向のミュージシャンであれば、これらの 5 つの質問が、よりバランスの取れた多才なプレイヤーまたはシンガーになるためのあなたの探求に役立つことは間違いありません。

これらの質問への回答は、オンラインとオフラインの全体的なフットプリントを多様化し、拡大するのにも役立ちます。 これにより、より多くの機会が得られ、ファン層が広がり、もちろん収入も増加します。

それを愛することに集中すれば、他のすべてがやってくるでしょう。

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David Andrew Wiebe は、The Music Entrepreneur HQの創設者兼 CEO であり、高く評価されている『The New Music Industry: Adapting, Growing and Thriving in The Information Age』を含む 4 冊の本の著者です。ウィーブはソングライティング、ライブパフォーマンス、レコーディング、セッションプレイ、制作作業、音楽指導において幅広いキャリアを築いてきました。