Was sind die Unterschiede zwischen dem Erstellen von Sync-Musik und Künstlermusik?

Dieser Gastbeitrag von Aaron Trumm erschien ursprünglich auf dem Soundfly Blog Flypaper.

Eine der besten Möglichkeiten, als Musiker Geld zu verdienen, ist die Synchronisierung (dh die Lizenzierung). Tauchen Sie jedoch in diese Welt ein, und Sie werden schnell feststellen, dass es einen großen Unterschied zwischen diesem Geschäft und dem traditionellen „Künstler“-Modell gibt.

Das Künstlermodell ist das, an das deine Oma denkt, wenn du sagst, dass du Musiker bist. Du spielst Gigs, du machst eine Platte, du wirst berühmt, du verdienst auf mysteriöse Weise Geld, und wenn du gefragt wirst, was du tust, sagst du: "Ich bin ein Rockstar."

Berühmte Künstler erhalten ständig Lizenzen für Songs – für Filme, Fernsehsendungen, Werbung, Videospiele, was auch immer. Nicht so berühmte Künstler bekommen auch Lizenzen. Aber für echte Lizenz-Gs ist die Lizenzierung kein einmaliges Ereignis, bei dem ein populäres Lied wegen seiner Neuheit verwendet wird. In dieser Welt ist das Ziel Nummer eins, Platzierungen zu landen, und dieses Spiel unterscheidet sich stark vom Rockstar-Spiel.

Hier werden wir über die Unterschiede, die Überkreuzungen und was Sie beachten müssen, wenn Sie versuchen, beides zu tun, sprechen.

Anderes Ziel = Anderer Sound

In jeder Kunst bestimmt der Verwendungszweck viel darüber, wie Sie mit dem Schaffen umgehen. Wenn Sie ein Bild erstellen, das an einer großen Wand hängen soll, können Sie eine große Leinwand, große Pinselstriche usw. verwenden. Ein Bild, das als Albumcover gedacht ist, braucht eine andere Strategie. Es muss in einen 5 "x 5" großen Raum passen, relevante Informationen enthalten usw.

Ebenso dient synchronisierte Musik einem anderen Zweck und wird in einem anderen Kontext gehört als ein durchschnittlicher Radiohit. Einige der großen Überlegungen:

• Sync-Musik wird entweder unter Dialog gestellt oder unterstützt eine Montage . Wenn es sich um einen Dialog handelt, müssen die Texte möglicherweise spärlicher oder nicht vorhanden sein. In beiden Fällen funktionieren Texte, die ein allgemeines Gefühl vermitteln, anstatt bestimmte Bilder zu malen, besser. „Brandneuer Tag“ oder „sich verloren fühlen“ statt „Ich bin aufgewacht, habe eine Pizza von einem roten Lastwagen gekauft und bin durch die 6th Street gelaufen, bis die Sonne aufging.“ Dies wird normalerweise als „universelle Texte“ bezeichnet.

• Das Synchronisieren von Musik erfordert einfache „Bearbeitungspunkte“. Anstelle eines fließenden, unschneidbaren Übergangs beispielsweise von Strophe zu Refrain versuchen Sie es mit einem Breakdown. Geben Sie Redakteuren einen Ort, an dem sie sich leicht einarbeiten können.

• Die Themen können bei Sync-Musik anders sein, insbesondere wenn es um Werbung geht. Wenn Sie sich die Billboard Top 40 in irgendeiner Woche eines Jahres ansehen, wird es Ihnen schwer fallen, Songs zu finden, die keine romantischen Liebeslieder sind. Synchron sind romantische Liebeslieder jedoch selten. Gerade bei Anzeigen dominieren eine Vielzahl universellerer Themen – Sachen wie „das gute Gefühl“ oder „Ich mache es auf meine Art“. In Fernsehen und Film kann romantische Liebe auftauchen, aber wie oben erwähnt, sind die Themen vager, sodass sie in mehr Situationen passen.

• Das Emulieren größerer Künstler kann Sie weit synchronisieren. Es ist ein Todesstoß für einen „Original“-Künstler. Viele Schriftsätze erwähnen ein bestimmtes Lied. „Etwas Ähnliches wie …“ bedeutet eigentlich „genau wie, ohne wirklich zu plagiieren“. Wenn Sie gut im Nachahmen sind, haben Sie ein synchrones Bein. Das Schreiben für künstlerische Arbeiten erfordert mehr Originalität, selbst wenn Sie versuchen, sich in ein Genre einzufügen.

• Synchronisierungsarbeit erfordert im Allgemeinen mehr Reichweite als das Schreiben für einen einzelnen Akt. Sync-fokussierte Autoren und Produzenten sind aufgerufen, Stimmungen zu erzeugen; Spannung, Action, sexy, Reflexion, Feier, Melancholie usw. Oder sie werden gebeten, bestimmte Genres zu kreieren – Jazz oder Rock oder Hip-Hop. Manchmal ist es eher eine Frage der Funktion – zum Beispiel Dramedy-Cues oder Trailer-Musik. Künstlermusik braucht genug Abwechslung, um interessant zu bleiben, es ist für einen bestimmten Act vorzuziehen, in der Grundspur zu bleiben.

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Zusammenfügen

Für Künstler, deren Traum es ist, Stadien ausverkauft zu haben, aber in der Zwischenzeit Geld verdienen müssen, ist die Lizenzierung ein attraktives Angebot. In ähnlicher Weise ist das Veröffentlichen von Musik auf Streaming-Diensten und das Erstellen eines „Acts“ für synchronisierungsorientierte Künstler eine intelligente Möglichkeit, Einnahmen und Möglichkeiten zu maximieren.

Aber die Leute sind oft verwirrt darüber, wie man das macht. Lassen Sie uns zwei Bereiche durchgehen, die hier zu berücksichtigen sind: Wirtschaft und Kunst.

Wir werden uns zuerst mit der Kunst befassen.

Die Kunstseite der Kombination von Sync und Künstlerarbeit

Wie wir bereits gesagt haben, kann die Art und Weise, wie Sie Musik machen, sehr unterschiedlich sein, wenn Synchronisierung Ihr Ziel ist, vs. Radio- oder Streaming-Hits und andere künstlerorientierte Ziele. Wenn du also beides machen willst, musst du eine große Entscheidung treffen: Mache ich zwei verschiedene Arten von Musik, oder versuche ich, Musik zu machen, die in beiden Arenen funktioniert?

Letzteres kann schwierig sein, und vieles hängt von Ihrem Genre ab. Wenn Sie eine Avantgarde-Death-Metal-Band sind, die für spezifische Bilder und viel Fluchen bekannt ist, erhalten diese Songs möglicherweise nicht viele Lizenzen. Auf der anderen Seite, wenn Sie tonnenweise synchronisationsorientierte Musik in hundert verschiedenen Genres gemacht haben, könnte es schwierig sein, einen Akt aus all diesem unterschiedlichen Material zu machen.

Aber wenn Sie ein Künstler sind, der bereits auf optimistische, universelle Texte steht und Ihr Sound zu dem passt, was derzeit in der Lizenzierung beliebt ist, müssen Sie vielleicht nur Ihre Arrangements ein wenig ändern und einige Sync-Songs in Ihrem Stil schreiben.

Sie müssen also Ihre Sachen bewerten. Neigt Ihr Verhalten von Natur aus zu dem, was für die Lizenzierung funktioniert, oder würde es funktionieren, es ein wenig zu ändern? Für Sync-Künstler, hat Ihr Katalog genug von einem Genre, um eine Persona darum herum zu erstellen?

Als nächstes (und das ist riesig) bewerten Sie die Zeit, die Sie haben. Es ist schön und gut, inspiriert zu werden, 20 Trailer-Tracks zu machen und sie herumzustöbern, während Sie gleichzeitig touren und Ihre dritte Platte mit elektronischer Geräuschband aufnehmen. Aber hast du wirklich Zeit für all das?

Die geschäftliche Seite der Kombination von Sync- und Künstlerarbeit

Das scheint für viele Leute verwirrend zu sein, also lassen Sie uns eine Sache klarstellen. Eine Frage die immer wieder gestellt wird ist:

„Wenn ich meinen Song bei einer Lizenzbibliothek signiere, bedeutet das, dass ich ihn nicht auf Spotify stellen kann?“

NEIN. Die Unterzeichnung bei einer Lizenzbibliothek gibt ihnen nur das Recht, Ihr Material einzukaufen und zu lizenzieren, wahrscheinlich gegen eine Provision. Dies ist ein anderer Satz von Rechten als die Vertriebsrechte. Sie besitzen Ihr Material nach wie vor. Selbst wenn Sie sich also bei einem exklusiven Lizenzunternehmen angemeldet haben, behalten Sie immer noch das Recht, Musik für die Öffentlichkeit zu veröffentlichen.

• Hier ist die Ausnahme: Wenn Ihr Lizenzunternehmen auch ein Label ist und Ihr Deal die Übergabe des Rechts auf Veröffentlichung beinhaltet, was Sie von der Selbstveröffentlichung ausschließt, können Sie (offensichtlich) nicht.
• So wissen Sie es: Lesen Sie den Vertrag. Mühsam, ja, aber notwendig. Sie können das Unternehmen auch fragen, was Sie gemäß den Vertragsbedingungen tun können und was nicht.

Das bedeutet, dass die geschäftliche Seite sowohl der Künstlerarbeit als auch der Synchronisierungsarbeit nicht allzu kompliziert ist. Sie besitzen Ihre Songs und Ihre Aufnahmen, es sei denn, Sie haben diese Rechte unterschrieben. Um es noch einmal zu wiederholen, wenn Sie einem Unternehmen erlauben, Songs in Ihrem Namen zu kaufen und zu lizenzieren, werden Ihre Rechte nicht aufgehoben. Es ermächtigt sie nur, in Ihrem Namen Maßnahmen zu ergreifen, um Lizenzplatzierungen zu sichern.

Es gibt viel zu diesem Zeug, also wenn Sie neu sind, beginnen Sie mit meinem umfassenderen Artikel über Songs und Aufnahmen und Geschäft, „What the Hell Are Master Rights?“ Und um ein wirkliches Verständnis für die Besonderheiten des Lizenzierungsgeschäfts zu bekommen, setzen Sie sich mit einem Buch wie The New and Complete Business of Licensing: The Essential Guide to Monetizing Intellectual Property.

Aber um ein für alle Mal herauszufinden, wie alle Arten von Streaming- und Verkaufslizenzgebühren funktionieren – und wie Sie das verdiente Geld einsammeln – sehen Sie sich auf jeden Fall Soundflys kostenlosen Kurs an, der von Ari Herstand geleitet wird, How to Get All the Royalties You Never Knew Existed.

So oder so, an die Arbeit

Das Lizenzieren von Musik ist eine großartige Möglichkeit, seinen Lebensunterhalt mit Musik zu verdienen, und es erfordert weder Ruhm noch besonderes Glück. Aber ein Künstler zu sein, vor und auf der Bühne, sein eigenes Ding zu machen, ist auch super überzeugend.

Was auch immer Sie tun, hören Sie jetzt auf, darüber zu lesen, und machen Sie sich an die Arbeit mit dem Schreiben!

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Aaron J. Trumm ist Produzent, Autor, Sänger (ok Rapper) und Personal Trainer (ja, Sie haben richtig gelesen). Er ist immer auf der Suche nach dem nächsten großartigen Ding, das er sagen kann, und liebt es, mit Leuten zu reden, also mach ihn auf Social Media!