Die Reise des Synthesizers durch die Zeit und verschiedene Musikgenres

Der Synthesizer ist das Wunderwerk moderner Musikinstrumente – eine Maschine, die Klänge elektronisch erzeugen und manipulieren kann und grenzenlose innovative und ausdrucksstarke Klangmöglichkeiten bietet.

Während elektronische Musik erstmals in den 1890er Jahren versucht wurde, etablierte sich die elektronische Musik mit der Erfindung des Synthesizers im Jahr 1955 durch Robert Moog und Don Buchla als populäre Musikform.

Das Stiefkind namens „Synth“

Die Erfindung des Synthesizers war phänomenal. In den folgenden Jahrzehnten erfreute es sich großer Beliebtheit und wurde von wichtigen Bands wie Pink Floyd und Depeche Mode verwendet. Dieses seltsame und wunderbare Instrument wurde jedoch nicht von allen akzeptiert. Der Widerstand kam stark von jenen, die sich selbst für Virtuosen hielten. Dadurch wurde es zum seltsamen Stiefkind in der Familie der Musikinstrumente.

Queen beispielsweise hatte in den 70er-Jahren ein striktes Verbot von Synthesizern. Sie bestanden darauf, bekannt zu geben, dass sie in diesem Jahrzehnt bei den Aufnahmen keine Synthesizer verwendet hätten. Dasselbe äußerten später auch Bands wie Rage Against the Machine.

Selbst im Jahr 2023 gibt es immer noch den einen oder anderen „Gatekeeper“ der klassischen oder Rockmusik, der behauptet, der Synthesizer sei überhaupt kein Musikinstrument. Nun, wenn das wahr ist, warum haben sich dann so viele moderne Genres die Magie des Synthesizers zu eigen gemacht und sie in hybride, innovative, progressive und frische Versionen „alter Wellen“ verwandelt? (Das ist ein New-Wave-Witz).

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Die Geburt hybrider Genres

Es ist faszinierend, auf einflussreiche Musiker der 60er, 70er und 80er Jahre zurückzublicken und zu sehen, wie sie den Synthesizer nutzten, um traditionelle Genres zu sprengen, Grenzen zu verwischen und hybride Genres hervorzubringen. Diese Musiker begannen, bereits etablierten Genres, also Synth-Rock, Synth-Punk, Synth-Metal, Synth-Jazz, Synth-Pop und sogar Synth-Folk, ein „Synth“-Präfix hinzuzufügen.

Seltsam und beeindruckend, dass der Bedarf, den Synthesizer in der Musik zu identifizieren, so groß war, dass sogar der Genretitel angepasst werden musste. Begriffe wie Gitarren-Pop oder Piano-Folk hört man nicht. Heute fügen wir stattdessen ein „Tronica“-Suffix hinzu, also Folktronica, Indietronica, Jazztronica, Sie verstehen schon.

Schauen wir uns Punk, Metal, Jazz, Folk und Pop an und wie der Synthesizer seinen Platz in diesen Genres fand.

Aber wie funktioniert es?

Lassen Sie uns einen Moment zurückgehen. Ich weiß nicht, wie es Ihnen geht, aber ich wollte unbedingt herausfinden, wie ein Synthesizer den Klang erzeugt, als ich ihn zum ersten Mal hörte. Während akustische Instrumente Klang durch Vibrationen erzeugen, erzeugt ein Synthesizer Klang durch Manipulation und Kombination verschiedener Audiosignale. Es funktioniert nach dem Prinzip der Klangsynthese, bei der elektrische Signale in hörbare Schallwellen umgewandelt werden.

Zu den Kernkomponenten eines Synthesizers gehören Oszillatoren, die grundlegende Wellenformen wie Sinus-, Sägezahn- und Rechteckwellen erzeugen. Diese Wellenformen dienen als Bausteine ​​zur Klangerzeugung. Der Synthesizer verarbeitet diese Wellen dann durch Filter, um ihre Klangfarbe zu formen, Hüllkurven, um die Amplitude des Klangs zu steuern, und Modulationsquellen, um Variationen in Tonhöhe, Klang und anderen Parametern einzuführen.

Okay, jetzt zurück zu den Genres …

Beliebte Künstler, die Synthesizer verwenden: Damals und heute

Das Punk-Genre

Behold Suicide, ein von Alan Vega und Martin Rev gegründetes Punk-Duo. Sie waren zwischen 1970 und 2016 mit Unterbrechungen aktiv und waren die erste Punkband, die Synthesizer und Drum Machines einsetzte und damit den Weg für Post-Punk, Industrial und Synth-Pop ebnete.

Suicide war der erste, der den Begriff „Punkmusik“ in einer Werbung für ihr Konzert im Jahr 1970 verwendete. In einer Hommage an den verstorbenen Alan Vega schreibt Ben Graham: „Suicide waren nicht an Nostalgie interessiert. In einer alternden Rockindustrie, die zunehmend damit beschäftigt ist, zurückzublicken, blickten Alan Vega und Martin Rev entschlossen nach vorne.“

Bands wie Prima Donnas und Youth Code kehren ins aktuelle Jahrhundert zurück und identifizieren sich als Punkbands, die sich mit großer Begeisterung für Synthesizer einsetzen.

Das Metal-Genre

Das Metal-Genre fühlt sich überraschenderweise schon seit Jahrzehnten von Synthesizern angezogen. In einem Artikel von Vice geht Terence Hannum sogar so weit zu sagen: „Ich glaube, dass Synthesizer zum Metal gehören.“ Beginnend mit Black Sabbath in den 70er Jahren ging der Trend über die Jahrzehnte zu Bands wie Dream Theatre über.

Heute ist Keygen Church ein großartiger Musiker im Synth-Metal-Genre.

Das Jazz-Genre

In den 70er Jahren war Weather Report ein „Supergroup“-Jazzensemble, das den Synthesizer auf interessante Weise einbezog. Sie inspirierten später andere Jazzmusiker wie Miles Davis.

Heute bringen Musiker wie BIGYUKI Synthesizer im Jazz auf die nächste Stufe. Der in New York lebende japanische Keyboarder und Songwriter ist bekannt für seine Fähigkeit, einen einzigartigen Sound zu kreieren, indem er Elemente aus Jazz und Electronica in seine Kompositionen einfließen lässt.

Das Folk-Genre

Die Band Emtidi war eine der ersten Folkbands, die Anfang der 70er Jahre einen Synthesizer einsetzte. Emtidi waren ein Duo bestehend aus Maik Hirschfeldt aus Deutschland und der Kanadierin Dolly Holmes. Mein Lieblingslied von ihnen ist „Traume“

Erlauben Sie mir, Ihnen heute Johan G. Winther vorzustellen, einen großartigen Musiker, der als der Meister der Folktronica der Gegenwart gilt. Düstere Texturen, Akustikgitarren, Synthesizer-Pads, Keyboards und Cello erscheinen in seinen einzigartigen Kompositionen neben minimalistischer Percussion und nachdenklichen Melodien.

Das Pop-Genre

Die Monkees gehörten zu den ersten Bands, die den Synthesizer in der Popmusik verwendeten, und verwendeten das Instrument auf ihrem gesamten Album von 1967. Ihr Song „Daily Nightly“ war die erste bekannte Pop-Aufnahme mit einem Synthesizer, nämlich dem von Micky Dolenz gekauften Moog Modular-Synthesizer, und erst die dritte, die damals kommerziell verkauft wurde.

Wenn ich auf das heutige Jahrhundert schaue, muss Lady Gaga meine liebste Pop-Künstlerin sein, und das liegt an ihrem aufdringlichen und überschwänglichen Einsatz grillender Sägezahn-Synthesizer-Linien wie in Bad Romance, Let's Dance und Marry the Night.

Auf den aktuellen Stand gebracht und von Spotify zum glücklichsten Song des Jahres 2023 gekürt: „I bring you, Blinding Lights!“ Ein Song, in dem neben den Gesangslinien eine atemberaubende 80er-Jahre-Synthesizer-Linie ganz vorne im Mix steht. Bahm!

Die Wahl des Fortschrittlichen

Bei der Recherche aller oben genannten Musiker scheint es so zu sein, dass man, wenn man einen Synthesizer in den Mix einfügt, sofort als genrewidrig, genrelos, experimentell, vor der Zeit, avantgardistisch oder progressiv eingestuft wird. Es scheint, dass der Synthesizer das Zeichen der Aufgeschlossenheit ist ... Ich liebe ihn!

Wenn Sie vorher nicht viel Respekt vor dem Synthesizer hatten, dann bin ich sicher, dass Sie ihn jetzt haben.

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Carla Malroweist eine alternative Songwriterin, Musikerin und Produzentin aus Südafrika, die derzeit in den Niederlanden lebt.Malrowes Musik ist eine Gegenüberstellung elektronischer und analoger Klänge mit Texten, die kompromisslos makaber und melancholisch sind.Hören Sie sich ihre neue Elektropop-Single„Dear Host“an.