Die wichtigsten Designprinzipien zum Aufbau Ihrer Marke im Jahr 2022

Es ist einfach zu entwerfen, aber wenn ein Stift auf das Papier gedrückt wird, kann es schwierig sein, die Botschaft, die Sie vermitteln möchten, visuell auszudrücken.

Obwohl die Komponenten im Kunstwerk als die grundlegenden Elemente eines Designs betrachtet werden, werden die Grundlagen des Designs als die Normen angesehen. Wenn Sie ein Unternehmer oder eifriger Designer sind, kann die Kenntnis der Grundprinzipien des Designs die Effektivität Ihres aktuellen Produkts verbessern.

Wenn Sie alle Designelemente verstanden haben, ist es keine Herausforderung, abenteuerlustig zu werden und zu versuchen, verschiedene Formen, Schattierungen oder sogar verschiedene Arten von Schriftarten und Linien einzubeziehen. Wenn Sie jedoch die Grundlagen des Designs nicht verstehen, ist es möglich, eine unzusammenhängende Komposition zu erstellen, die kompliziert, verwirrend und schwer zu verstehen ist.

10 Designprinzipien für das Wachstum Ihres Unternehmens

Jedes Design ist darauf ausgelegt, eine Botschaft an ein bestimmtes Zielpublikum zu übermitteln. Wenn Sie diese fünf Prinzipien anwenden, sind Sie auf dem besten Weg, ein erfolgreiches und verständliches Design zu erstellen.

Gleichgewicht

Stellen Sie sich vor, eine Wippe zu stark auf einer Seite zu fahren, kann die andere in die Luft fliegen lassen. Auch künstlerische Elemente haben Gewicht. Auch wenn es optisch, aber nicht wirklich gewichtig ist, gibt es einen Effekt, der einer Wippe ähnelt, wenn ein Design nicht richtig ausbalanciert ist. Die Anziehungskraft eines Stücks basiert darauf, wie Ihr visuelles Gewicht verteilt wird. Wie bei einer Säge, der das Gleichgewicht fehlt, bewegt sich das Auge des Betrachters wahrscheinlich zu einem Aspekt des Stücks und lässt den Rest des Werks unbemerkt.

Balance kann auf drei Arten klassifiziert werden: die symmetrische, die asymmetrische und die radikale. Wenn die Komponenten eines Stücks ausgeglichen sind, wird das Design als symmetrisch klassifiziert. Diese Art von Balance sorgt für Ordnung und Formalität in einem Kunstwerk, weshalb sie häufig in institutioneller Architekturkunst und religiöser Kunst verwendet wird. Radialsymmetrie – eine Variante von symmetrisch – bezieht sich darauf, wie Teile von Designs gleichmäßig um einen bestimmten Punkt angeordnet sind.

Im Gegensatz dazu beinhaltet die asymmetrische Balance zwei Gewichte, wodurch eine Komposition nicht immer optisch gleich ist; dennoch hat es die exakte Symmetrie. Asymmetrische Designs sind im Vergleich zu symmetrischen tendenziell attraktiver. Sie erzeugen Bewegung in einem Kunstwerk, indem sie den Blick des Betrachters auf die gesamte Komposition lenken.

Ausrichtung

Während die Ausrichtung in den meisten Fällen oft ignoriert wird, würde ein Bild ohne dieses Werkzeug Einheit, Richtung oder sogar Organisation nicht verstehen. Ausrichtung ist einfach die Art und Weise, wie Elemente auf der Seite angeordnet werden. Sein Ziel ist nicht nur die Organisation, sondern entscheidend, um die visuelle Gesamtwirkung des Layouts und das Layout einer Seite zu verbessern.

Designer sind sich bewusst, dass Menschen beim Entwerfen eines Produkts Seiten scannen. Die verschiedenen Ausrichtungstypen – links und rechts, zentriert und Blocksatz – unterscheiden sich darin, wie Sie diese Ausrichtungstypen verwenden. Im englischsprachigen Raum werden Texte in der Regel von links nach rechts gelesen, weshalb die Linksbündigkeit am häufigsten verwendet wird. Andere Formate werden jedoch strategisch für bestimmte Zwecke wie Werbe-, Zier- oder kleinere Textstücke verwendet.

Im Allgemeinen bezieht sich die Ausrichtung auf zwei bestimmte Komponenten des Designs: Typografie und Bilder. Grafikdesigner bemühen sich, ein Gleichgewicht zwischen diesen beiden zu finden, um sicherzustellen, dass sowohl der Text als auch die Bilder optisch ansprechend erscheinen und eine mühelose Verbindung teilen. Mit der richtigen Ausrichtung erscheint ein Stück für den Betrachter sauber, ordentlich und klar.

Nähe

Wenn Designer Elemente näher oder weiter weg verschieben, verwenden sie das Konzept der Nähe. Es gibt zwei Hauptgründe, warum Designer Nähe nutzen, um Verbindungen herzustellen oder Verbindungen herzustellen.

Wenn wir in einer Komposition Gestaltungselemente nebeneinander sehen, sehen wir die Elemente als verwandt an. Beim Trennen von Aspekten kann der Designer kommunizieren, dass es keine Verbindung zwischen ihnen gibt. Die Beziehung zwischen den Elementen schafft eine Atmosphäre der Organisation, Relevanz und Hierarchie.

Nähe ist wichtig, wenn ein Designer versucht, eine Botschaft zu vermitteln oder ein Ergebnis zu erzielen, insbesondere in Werbung und Marketing. Grafikdesigner, die Nähe einsetzen, gelten als effektive Branding-Technik. Sie können es im Unilever-Logo sehen, und die winzigen Formen sind ziemlich nah beieinander angeordnet. Das lässt unser Gehirn denken, dass es ein Bild von einem „U“ ist.

Wiederholung

Wiederholung kann erreicht werden, indem dasselbe Element wiederholt in einem Design wiederholt wird. Obwohl dies einfach erscheinen mag, verlassen sich Designer auf die Idee der Wiederholung, um den Eindruck von organisiertem Fluss und Konsistenz innerhalb einer Gesamtkomposition zu erzeugen. In jedem Design müssen Sie Elemente wiederholen, wodurch die ästhetische Wirkung des Designs erhöht und verstärkt wird.

Das Konzept der Wiederholung könnte auch im Geschäftsleben eine wirkungsvolle Strategie sein. Visuelle Elemente in der Markenidentität eines Unternehmens dienen als Bild dafür, wie das Unternehmen wahrgenommen wird. Die Wiederholung eines Logos ist nicht nur in einem einzelnen Druck von Vorteil, sondern kann auch erfolgreich sein, wenn es im gesamten Designportfolio eines Unternehmens verwendet wird. Ein unverwechselbares Logo wird in den sozialen Medien wiederholt, z. B. auf Visitenkarten, Broschüren und im Webdesign. Es kann die Erfahrung eines Benutzers verbessern und dazu beitragen, den Wiedererkennungswert einer Marke zu etablieren.

Abgesehen von der grundlegenden Technik der Wiederholung verwenden Künstler häufig Wiederholungen mit Mustern, Verwelken und Rhythmus. Muster, die sich aus mehreren Designelementen wiederholen, die zusammenwirken, werden typischerweise in physischem Design wie dem architektonischen Design oder der Innenarchitektur beobachtet; Sie werden jedoch auch als Hintergrund für Webseiten und Apps verwendet. Der Begriff „Rhythmus“ bezieht sich auf den Raum zwischen Elementen, die sich wiederholen. Designer nutzen die Intervalle zwischen den Elementen, um beim Betrachter ein Gefühl von Bewegung zu erzeugen.

Kontrast

Gegensätze ziehen sich an, so das Sprichwort, was auch für andere Gestaltungselemente gelten könnte. Stellen Sie sich ein Design ohne Kontrast vor; alle Farben, Schriftarten, Formen usw. wären in der Größe identisch und das Design würde langweilig wirken. Kontrast ist das Element, das einem Bild hilft, „hervorzustechen“ und es für den Betrachter unvergesslich macht.

Kontrast ist auch ein Faktor für die Effizienz eines Designs. Die Struktur des Designs basiert darauf, wie Kontraste genutzt werden, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Wesentliche zu lenken. Wenn beispielsweise der gesamte Inhalt des Designs in Größe und Größe ähnlich wäre, wie würde der Betrachter erkennen können, welche Elemente am wichtigsten sind? Im Gegensatz dazu können Designer die Aufmerksamkeit auf bestimmte Merkmale lenken, die sie hervorheben möchten, indem sie den Blickfang für das Publikum sowie eine visuelle Ordnung schaffen.

Prinzipien des Designrhythmus

Das Konzept des Rhythmus ist komplexer als die anfänglichen Konzepte von Muster und Wiederholung. Muster und Wiederholung werden beide auf dasselbe Element im Design angewendet. Es ist das visuelle Tempo einer Reihe von Merkmalen, die sich wiederholen und auf unterschiedliche Weise den Eindruck einer gut organisierten Bewegung erwecken.

Der Rhythmus verbirgt sich oft in Kunstwerken und ist nicht immer so offensichtlich wie die Gestaltungsprinzipien von Wiederholungen und Mustern. Beispielsweise erscheinen die diagonalen Linien in der folgenden Abbildung nicht in einem bestimmten Muster. Stattdessen gibt es ein sich wiederholendes Muster der Elemente mit Variationen.

Prinzipien der Designbewegung

Der Begriff „Bewegung“ bezieht sich auf den Weg, dem die Augen des Betrachters durch ein Bild folgen. Beim Zusammensetzen eines Bildes kann jedes Element beeinflussen, wie sich die Augen bewegen. Die wichtigsten Elemente können sekundäre Elemente beeinflussen können und so weiter. Die Bewegung einer Komposition erhöht die Spannung und hält das Interesse des Betrachters aufrecht.

Die Bewegung kann erzeugt werden, indem Variationen eines Elements immer wieder verwendet werden. Die Verwendung gekrümmter Linien oder diagonaler Linien kann mehr Bewegung erzeugen als gerade Linien. Verwenden Sie Linien, um die Route zum Mittelpunkt zu markieren. Farben können dabei helfen, das Bewegungsgefühl zu verstärken, indem niedrig- und hochwichtige Farben gemischt werden, um Spannung zu erzeugen. Eine Möglichkeit, Bewegung zu zeigen, besteht darin, Bilder zu verwenden, die Bewegungen zeigen, wie z. B. Haare, die sich im Wind bewegen. Bestimmte Künstler verwenden Illusionen, wie z. B. optische Kunst, bei der wiederholte Bilder und Kontraste unser Gehirn dazu bringen, die Daten zu organisieren.

Im Bild unten wird die Bewegung durch die geschweiften Linien und die sich überlagernden Farben verursacht. Diese Effekte verstärken die Bewegung, da sie instabil sind und dieser Farbverlauf Linien verwischt, anstatt sie statisch zu machen.

Prinzipien der Designproportion

Proportion ist die Wahrnehmung von Harmonie, die entsteht, wenn alle Elemente eines Arrangements gut miteinander verbunden sind. Das Hauptaugenmerk der Proportion liegt auf Abmessungen und Größe für den Fall, dass zwei Komponenten in Konkurrenz stehen. Beispielsweise im Bereich der Kunst und Zeichnung sind die Proportionen entscheidend, damit die Zeichnung echt aussieht. Proportion bezieht sich nicht immer auf die Dimension eines Elements, sondern auf das Verhältnis zwischen den beiden Elementen oder sogar mehr.

In der Hierarchie der Layouts in der Layout-Hierarchie muss das Verhältnis der Überschrift zur Bildunterschrift höher sein, da es als Hauptelement betrachtet wird. Weniger wichtige Elemente sind weniger bedeutsam. Wenn Sie in einem Stück ein großartiges Gefühl für Proportionen erreichen können, wird es sowohl ein Element der Harmonie als auch des Gleichgewichts schaffen.

Prinzipien der Designharmonie

Harmonie ist die Wahrnehmung der Kohärenz zwischen den Elementen einer Anordnung. Die Merkmale sollten nicht gleich oder sogar völlig unterschiedlich sein, aber sie sollten in irgendeiner Weise miteinander verbunden sein. Die Verwendung ähnlicher Farben oder Texturen schafft ein Gefühl der Einheit zwischen den verschiedenen Elementen. Das Kombinieren von Gegenständen mit ähnlichen Formen kann Harmonie schaffen, da sie ähnlich erscheinen.

Zu viel oder zu wenig Harmonie kann dazu führen, dass ein Design langweilig wird; Es muss einige Variationen geben, um es optisch ansprechend zu machen.

Prinzipien der Gestaltungsvielfalt

Inspirierendes visuelles Interesse wird die Aufmerksamkeit Ihrer Zuschauer aufrechterhalten. Wenn Sie sie einbeziehen und durch das Design führen, kann dies zu einer ansprechenden Benutzererfahrung führen. Abwechslung bringt etwas Neues in die Komposition, schafft Spannung und Kontrast. Zum Beispiel schafft das Mischen von organischen Formen und geometrischen Formen Abwechslung. Dies sollte eine Möglichkeit sein, die Botschaft zu verstärken, die Sie in Ihrem Design vermitteln möchten. Andernfalls kann es unwichtig erscheinen.

Fazit

Während diese Regeln als „Regeln“ des Designs betrachtet werden, gibt es keine spezifischen Richtlinien für die Umsetzung dieser Prinzipien. Dies könnte eine Herausforderung für einen Anfänger sein; Wie bei den meisten Fachleuten werden Sie sich jedoch irgendwann an Ihre Intuition gewöhnen und den Anforderungen Ihres Unternehmens folgen. Manchmal ist es sinnvoll, mit den Grundprinzipien des Designs zu brechen, solange die wesentlichen Informationen klar kommuniziert werden.

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